viernes, 1 de septiembre de 2017

Las Stavkirke o Iglesias Noruegas



Detalle de la iglesia de Hopperstad

Mientras en la Europa del Sur y Centro, en el siglo, XI, XII y principios del XIII se estaba desarrollando el Románico y el Gótico con características diferentes en cada caso, en Noruega, esa  misma cronología, es la que se maneja para datar a las " iglesias de columnas" o Stavkirke. 


Esta es la stavkirke de Heddal, considerada como una de la más grandes de Noruega tiene una cronología que la sitúa sobre 1250. Tiene una nave, y un ábside semicircular. Cuenta con tres niveles claros y cinco, si tomamos como punto de arranque la torre triangular.. Las otras dos torres son  cónicas. Toda la iglesia está recorrida por una galería exterior. 

Realizadas en madera ( se datan a través de la dendrocronología), como la mayor parte de las construcciones tradicionales, en el s. XI habría unas setecientas cincuenta de las cuales permanecen incólumes hoy en día unas treinta, constituyendo un hito en la arquitectura de los pueblos del norte pues en otros países del entorno, no queda ninguna en pie.


Iglesia de Nore, de planta de cruz griega con torre octogonal
 La planta de estas iglesias varió con el tiempo pasando de tener una única nave ( la estructura más común en otros lugares como Suecia) a tener tres: una central con dos a cada lado separadas por columnas, quizás por influencia de las iglesias románicas que a su vez toman su forma de la basílica romana. 


Alzado de la Iglesia de Borgund con tres naves


Iglesia de Borgund

Es la iglesia mejor preservada y la más conocida. Se dice de ella que es una obra maestra. No ha sido remozada desde el siglo XII. 


Detalle de la iglesia de Borgund, de su galería exterior y del techo, realizado, con " lengüetas" de madera.

La mayor parte de ellas serán restauradas y/o ampliadas en el siglo XVII y a otras se las llenarán de pinturas en su interior con una cronología más cercana:  siglo XVIII e incluso XX.  


Iglesia de madera de Hopperstad , primera mitad del siglo XII, reconstruída en el siglo XIX.


Cubierta de la misma iglesia


Tiene pinturas interiores con una cronología posterior, del siglo XIV que narran  escenas relacionadas con el nacimiento de Jesús y que están colocadas en una de las piezas más llamativas de la iglesia : el baldaquino de Hopperstad


Baldaquino de Hopperstad


 Detalle de la misma iglesia: Hopperstad, arriba y abajo


Son bellas y proyectan la mezcla de las tradiciones del país mostrando cabezas de dragones con una iconografía religiosa que en algunos casos reflejarían perfectamente, por ejemplo, la expresividad, el  hieratismo y el  frontalismo puramente románico.


Detalle de uno de los muros de Urnes, una de las iglesias más antigüas de Noruega declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1979


Iglesia de Urnes 



Las dos imágenes anteriores corresponden al interior de Urnes

La Virgen de Urnes

Toda la obra gráfica proviene de Wikimedia Commons y tiene su fuente debajo. 

En cuanto a la obra de referencia hemos utilizado, fundamentalmente, un opúsculo de Normanns Kunstgotlag.

domingo, 27 de agosto de 2017

Sonia Delaunay: El Color, La Forma ,La Moda



Sonia Delaunay en su estudio en París

"( La creación de sombrillas, chalecos, sombreros)....Es un trabajo tan noble, tan noble como una naturaleza muerta o un autorretrato". Sonia Delaunay ( 1)


Su creatividad , su pintura ( que pasó por distintas fases), la utilización de unos colores brillantes, hicieron de ella una de las grandes artistas dentro de las Primeras Vanguardias. Sin embargo y de nuevo, como si de un mantra se tratase, tenemos que decir que después de relacionarse con Léger, Picabia, Apollinaire y otros tantos intelectuales y pintores del momento,no fue valorada como debió haber sido. Ella trabajaba con el textíl, con trajes, con el atrezzo de los ballets de Diaghilev y Stravisnski.  



Modelos realizados por Sonia Delaunay en 1925

Durante la primera guerra mundial, en 1914, ella ( Ucrania, 1885- París, Francia 1979) y su compañero,Robert Delaunay,  se van de París para llegar a Madrid y comenzar un momento espléndido de creación, un Madrid neutral y moderno que fue punto de confluencia de multitud de autores de vanguardia.


Sonia Delaunay: Cantante de Flamenco, 1915
 


Dos ejemplos de la obra de Sonia Delaunay: en esta fotografía mostramos trajes de baño diseñados por ella

Esta es la etapa que cubre la actual exposición, única y primera, que el Museo Thyssen de Madrid realiza de la autora hasta el 15 de octubre de 2017. La exposición se llama "Sonia Delaunay. Arte, diseño , moda ". En Madrid, conoció las colecciones reales de El Prado ( descubrió a El Greco, también la escuela Veneciana caracterizada por el especial uso del color) y también el flamenco. Recalaron igualmente en  Portugal y  ambos destinos influyeron en su obra. A la "Casa Sonia", que abrió en Madrid , le encargaron ropa los Marqueses de Urquijo y los de Amboage entre otros. Sus hijas vistieron sus modernos diseños.





Varios diseños de Sonia Delaunay: más trajes de baño, pañuelos y sombreros, zapatos y un abrigo maravilloso creado para la actriz Gloria Swanson

La inlfuencia en el diseño de moda de esta mujer fue importantísimo; primero porque puso al mismo nivel (y así lo muestra la cita del comienzo de esta entrada) la creación de una pintura que el diseño de un traje y otro porque todavía hoy su obra sigue siendo la referencia para otros diseñadores. 

¡¡¡Mucha modernidad la de los años 20' del siglo XX!!!


Diseño de House of Holland, otoño invierno, 2012


 Grafiti en alguna ciudad que recoge su forma de hacer



Sonia Delaunay

Toda la obra gráfica ha sido extraído de varias páginas con la única intención de dar a conocer su obra:  Aquí, Aquí y Aquí

En cuanto a la obra de referencia y la cita (1), además de éstas citadas, os dejo esta otra de el diario español, El País: Aquí

jueves, 24 de agosto de 2017

Fabergé Y Sus Joyas





Karl Gustavovich Fabergé conocido como Peter Carl Fabergé fue nombrado orfebre y joyero de la corte imperial rusa a finales del siglo XIX. El Imperio estaba, desde el siglo XVII, en manos de la dinastía Romanov. 




Fabergé ( 1846, San Petersburgo, Imperio Ruso-1920, Lausana, Suiza) fue hijo de joyero, pero él cambió el concepto de la joyería que tenía su padre. Tuvo la suerte de poder catalogar, reparar y restaurar determinadas piezas de el Hermitage, el museo que fue fundado por Catalina la Grande en San Petesburgo en el último tercio del siglo XVIII. Esto le permitió estudiar las técnicas que los joyeros utilizaban desde antiguo. 



Se le conoció fundamentalmente, pero no sólo, por la creación en total de casi setenta huevos realizados como regalos durante la Pascua rusa, una conmemoración muy importante para el país en aquel momento,que eran realizados, por supuesto, a mano,  utilizando oro, platino y todo tipo de piedras preciosas.



Este joyero que estuvo activo desde 1885 a 1917, comenzó la tradición de la creación de estos huevos por mandato del Zar Alejandro III, que en 1883 le encargó el primero para dárselo a su mujer.Este huevo debía llevar, a su vez, una sorpresa... Otro regalo en su interior. Ejemplo de esto sería el primer huevo que abre la entrada con un reloj con brillantes como obsequio.



 Esta tradición la siguió su hijo Nicolás II, el último zar de la dinastía, que fue fusilado junto a toda su familia, el médico personal de su hijo y otras dos personas  en la Casa Ipátiev en Ekaterimburgo,en 1918 una vez que estalló la Revolución que llevó a cabo Lenin en octubre de 1917.  Al año siguiente la empresa Fabergé fue nacionalizada.



Sin embargo el hijo de Peter Carl, creó la misma empresa en París que fue revendida varias veces, pasando por distintas visicitudes ( 1).



Actualmente, esta emrpresa sigue activa realizando joyas espectaculares en creatividad y calidad, rememorando  las creaciones de aquel que llevó a la Casa a lo más alto de la creación del momento.




Toda la obra gráfica correspondiente a los huevos antiguos pertenecientes a la colección Romanov, ha sido extraída de Wikimedia Commons.

Si queréis saber más y como obra de referencia hemos utilizado varias entradas del periódico español El País: Aquí , así como la propia página contemporánea de Fabergé de la que hemos extraídos las últimas fotografías con la única intención de dar a conocer la historia de esta casa de alta joyería: Aquí

sábado, 12 de agosto de 2017

Unicornios ( IV)

 

Arthur Bowen Davies: Unicornios, 1906

Realizamos una nueva entrada sobre la representación de los unicornios en el Arte. Esta vez, mostraremos algunos más contemporáneos, siguiendo, de nuevo, un criterio cronológico. Esta vez mostraremos aquellos realizados, por distintos autores y con diferentes técnicas, todos a partir del siglo XX.


George Plank: portada de Vogue, 1927


Ivan Generalic :  El Unicornio,  óleo sobre vidrio,  1961

Salvador Dalí: El Alegre Unicornio, 1977


Geraldin Blake: La princesa y el unicornio, 1978


Anthony Southcombe: Niña con un unicornio, 1980



Salvador Dalí: El Unicornio, 1983


Nikolay Butkovski: Alimentando al unicornio, 2008


Alexander Sigov: Perro con imagen de unicornio



Las dos de arriba son obras de Michael Parkes: arriba un dibujo boceto titulado, "El Unicornio ciego".
Abajo: "Unicornio Negro".


Juan Carlos Uriarte


Fuente

Cortesía de María Pilar Martínez Herrero

 Como siempre, le damos las gracias a Javier Fuentes, colega bloguero, dueño de EL Hurgador, blog para disfrutar que guardo en el mío , por pensar en mí cada vez que ve uno, cedérmelo y dar a conocer a esta criatura maravillosa. Sin su ayuda, quizás esta colección no existiría.



Jonathan Zawada

Todas las imágenes han sido extraídas de distintas páginas web con la única intención de hacer conocer las diferentes iconografías existentes sobre el unicornio.